El Invitado de RFI - El realizador chileno Juan Caceres estrena en Paris su pelicula Perro bomba

El realizador venezolano Edsel Sierralta acaba de volver del Festival de Cannes donde ha presentado ‘Gvantsa: el caso de la bailarina’ su primer largometraje que se estrenará el mes de agosto en Venezuela. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Edsel Sierralta es un realizador, director, productor y guionista venezolano originario de Barquisimeto, estado Lara. Pertenece a una nueva generación de cineastas venezolanos que han impulsado proyectos audiovisuales independientes utilizando recursos tecnológicos accesibles, especialmente el cine realizado con teléfonos móviles y producciones de bajo presupuesto con enfoque autoral y experimental. Su trabajo comenzó a ganar notoriedad internacional a partir de 2018 gracias al cortometraje Pálida, obra que lo llevó a participar en espacios asociados al Festival de Cannes y al Mobile Film Festival de Francia. Sierralta estudió Comunicación Social en la Universidad Fermín Toro y posteriormente realizó estudios especializados en cine en la escuela Cieca Escuela de Medios. Desde temprana edad mostró interés por el arte, la narrativa visual y la literatura, aunque no provenía de una familia vinculada directamente al medio cinematográfico. Durante sus primeros años en el audiovisual desarrolló proyectos experimentales influenciados por el cine de acción, el thriller psicológico y el lenguaje visual contemporáneo. Él mismo ha señalado influencias provenientes del arte venezolano, mencionando referencias visuales asociadas a Armando Reverón, César Rengifo y Macario Colombo. El gran impulso en la carrera de Sierralta ocurrió con el cortometraje Pálida (2018), filmado íntegramente con un teléfono celular Samsung Galaxy. La obra fue seleccionada entre más de 2.000 propuestas internacionales y quedó dentro de los 50 mejores trabajos del Mobile Film Festival de Francia. Gracias a ese reconocimiento fue invitado al programa “Tres días en Cannes” del Festival de Cannes en 2019, convirtiéndose en uno de los jóvenes representantes del cine venezolano contemporáneo presentes en el prestigioso evento francés. Pálida llamó la atención no solo por sus limitaciones técnicas convertidas en recurso artístico, sino también por demostrar que era posible realizar cine independiente en Venezuela en medio de dificultades económicas y tecnológicas. El corto narra una persecución vinculada al narcotráfico y utiliza un lenguaje visual dinámico y urbano. Sierralta ha estado vinculado a un movimiento creativo denominado “Acción”, cuya propuesta consiste en explorar nuevas formas de hacer cine utilizando herramientas digitales accesibles y narrativas contemporáneas. Parte de su discurso creativo gira alrededor de democratizar la producción audiovisual y fomentar el talento emergente venezolano. Su visión del cine está asociada al trabajo colectivo, la experimentación estética y la producción independiente. En entrevistas ha señalado que las limitaciones presupuestarias del cine venezolano obligan a los realizadores jóvenes a innovar técnicamente y replantear las formas tradicionales de producción cinematográfica. Posteriormente fundó la productora “Sierralta Films”, orientada tanto a la realización cinematográfica como a la formación de nuevos actores, directores y técnicos audiovisuales. Desde Barquisimeto impulsó talleres y programas de formación intensiva para jóvenes interesados en el cine. A través de esta iniciativa organizó cohortes de formación cinematográfica cuyos estudiantes desarrollaban cortometrajes que luego eran proyectados en salas comerciales venezolanas. Según declaraciones del propio director, el objetivo era profesionalizar talentos locales y construir una industria regional desde Lara hacia el resto del país.

La socióloga Anouk Guiné pertenece al comité editorial del libro "Violencia de Estado en el Perú" que se presente el miércoles 27 de mayo en la Maison de l'Amérique Latine de París en el marco de la Semana de América latina y el Caribe en Francia. Pero antes, junto al antropólogo guatemalteco Sergio Palencia, ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI. La Dra. Anouk Guiné es socióloga, investigadora y profesora asociada en la Facultad de Asuntos Internacionales de la Université Le Havre Normandie. Forma parte del Groupe de Recherche Identités et Cultures (GRIC) y participa en redes internacionales dedicadas a los estudios de memoria, resistencia y ciudadanía. Su trayectoria académica se caracteriza por un enfoque interdisciplinario que articula sociología, estudios de género, teoría crítica y estudios poscoloniales. Sus investigaciones se concentran en los conflictos armados, la violencia de género, los movimientos sociales y las memorias colectivas, especialmente en América Latina y, de manera particular, en el conflicto interno peruano (1980-2000). Ha desarrollado estudios sobre violencia sexual en contextos de guerra, ciudadanía multicultural y feminismos decoloniales. Asimismo, su trabajo previo abordó el debate británico sobre la mutilación genital femenina entre comunidades migrantes africanas en el Reino Unido, mostrando un interés constante por los derechos humanos y las violencias estructurales. Sergio Palencia es antropólogo y sociólogo guatemalteco, actualmente profesor asistente en el Departamento de Antropología de la William & Mary. Su formación combina estudios en sociología, antropología y teoría crítica realizados en Guatemala, México y Estados Unidos. Antes de incorporarse a William & Mary, impartió clases en instituciones como la City University of New York y universidades guatemaltecas, consolidando una trayectoria académica centrada en la historia social y política de Centroamérica. La obra de Sergio Palencia examina las memorias indígenas, las relaciones interétnicas, la formación del Estado y las experiencias de las comunidades mayas durante la guerra guatemalteca y la Guerra Fría en América Latina. Sus investigaciones integran antropología histórica, etnografía visual y economía política para estudiar los procesos de resistencia indígena y las formas de violencia estatal y colonial. Ha publicado libros y artículos sobre racismo, genocidio, movimientos indígenas y memoria histórica en Guatemala, destacándose por su compromiso con la recuperación de las voces y narrativas de las comunidades mayas.

El guitarrista peruano Riber Oré ofrece un concierto este viernes en la sala parisina Patronage laïque Jules Vallès que servirá de presentación de su nuevo disco “Corazón ayacuchano”. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Riber Oré es un destacado concertista y compositor peruano especializado en guitarra andina y criolla. Nació en Lima, dentro de una familia de profundas raíces ayacuchanas y cajamarquinas, donde la música formó parte esencial de su formación desde la infancia. Su padre, Poli Oré, integrante del conjunto ayacuchano Evocación Huanta, fue su primer maestro y quien lo introdujo en las afinaciones y estilos tradicionales de la guitarra andina. Riber Oré comenzó a tocar guitarra a los 3 años y debutó públicamente a los 4 años de edad. A los 10 años ofreció su primer concierto en el Teatro Felipe Pardo y Aliaga. Más adelante perfeccionó su técnica con reconocidos maestros de la guitarra peruana como Carlos Hayre, Pepe Torres, Álvaro Lagos, Sergio Valdeos y Jaime Basulto. También recibió la influencia artística del legendario guitarrista ayacuchano Raúl García Zárate. Considerado desde joven como un “niño prodigio” de la guitarra, desarrolló una carrera internacional difundiendo la música peruana en América, Europa y Asia. Ha realizado conciertos en países como Japón, Estados Unidos, Francia, Suiza, España, Suecia, Noruega y Taiwán, llevando especialmente la guitarra andina peruana a públicos internacionales. Además de su labor como solista, ha participado en grabaciones y presentaciones junto a importantes artistas peruanos como Tania Libertad, Jaime Guardia, Diosdado Gaitán Castro, Daniel Lazo y Amanda Portales. En 2017 presentó su libro Guitarra Andina Contemporánea, una obra que reúne partituras, historia y elementos visuales relacionados con la música andina peruana. El libro fue publicado por el sello estadounidense Goin’ Native y consolidó su aporte académico y artístico a la guitarra peruana contemporánea. Su trayectoria ha sido reconocida por instituciones como el Congreso de la República del Perú y la UNESCO, debido a su labor de difusión de la música andina en el mundo. Actualmente también se dedica a la enseñanza musical mediante cursos y plataformas digitales de guitarra andina y criolla.

El guitarrista argentino Agustín Luna se presenta este jueves en la sala parisina Studio Cross Liner, concierto en el que interpretará obras propias y sus arreglos para guitarra de tangos celebres. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Agustín Luna es uno de los guitarristas, compositores y arregladores más destacados de la música popular argentina contemporánea. Su trayectoria combina el virtuosismo técnico de la guitarra clásica con la sensibilidad expresiva del tango y el folclore argentino, convirtiéndolo en una figura reconocida tanto en Argentina como en escenarios internacionales. Nació en 1981 en la ciudad de La Plata. Desde muy joven mostró interés por la guitarra y comenzó sus estudios musicales con los maestros Marcelo Iglesias y Julio Azcano. Más adelante continuó su formación académica en el Conservatorio Provincial de Música “Luis Gianneo” de Mar del Plata, donde estudió con la profesora Silvia Castro. A los 18 años obtuvo un reconocimiento decisivo para su carrera al recibir el premio “Revelación” en el Festival de Baradero del año 2000, uno de los encuentros más importantes de la música popular argentina. Ese logro lo posicionó rápidamente dentro del ambiente guitarrístico nacional. Posteriormente participó en numerosas ediciones del festival Guitarras del Mundo, considerado uno de los eventos internacionales más relevantes dedicados a la guitarra. En paralelo a su actividad artística, profundizó sus estudios universitarios y en 2007 se graduó como Profesor de Música con orientación en guitarra en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Su formación académica fue fundamental para desarrollar un lenguaje musical sofisticado, caracterizado por el trabajo polifónico, los arreglos complejos y la integración de elementos clásicos dentro de la música popular. En 2008 se trasladó a Florencia para perfeccionarse en guitarra clásica con el maestro Edoardo Catemario. Esa experiencia europea amplió todavía más su visión artística y lo llevó a realizar giras y presentaciones en países como España, Italia, Estados Unidos, Brasil y Uruguay. Su estilo se caracteriza por unir la tradición argentina con influencias de compositores clásicos como Johann Sebastian Bach y Heitor Villa-Lobos. En sus interpretaciones se percibe un fuerte trabajo armónico y contrapuntístico, aplicado tanto al tango como a las chacareras, zambas y milongas. El reconocido músico Juan Falú definió a Agustín Luna como “un ejemplo a seguir” dentro de la excelencia guitarrística argentina, destacando su virtuosismo, sensibilidad y creatividad interpretativa. Entre sus trabajos discográficos más importantes se encuentra el álbum Cuerda al Aire (2011), editado dentro de la colección “Guitarras del Mundo”, donde interpreta arreglos propios de tango y folclore argentino. En ese disco participó como invitado Juan Falú. Más adelante lanzó San Telmo (2018), consolidando una propuesta artística más madura y personal. Además de intérprete, Agustín Luna es un destacado arreglador y compositor. Ha realizado versiones para guitarra de obras emblemáticas como “Adiós Nonino”, “La Trampera”, “Don Agustín Bardi”, “La Puñalada” y “Kilómetro Once”, además de composiciones propias como “Dos metros más allá”, “Chacarera de la yegua” y “De vuelo en vuelo”. En los últimos años ha desarrollado una intensa actividad internacional, especialmente en Europa, ofreciendo conciertos, clases magistrales y participando en festivales vinculados al tango y la guitarra. Su presencia frecuente en Francia y otros países europeos refleja el creciente interés internacional por su obra. La figura de Agustín Luna representa la continuidad de la gran tradición guitarrística argentina: una combinación de disciplina académica, raíz popular y búsqueda artística personal. Su carrera es también un ejemplo del valor del estudio profundo y del esfuerzo sostenido para alcanzar el virtuosismo musical.

El cantante, guitarrista y compositor argentino Valerio Rinaldi presenta el domingo 24 de mayo en la sala parisina Volver su proyecto “Sesenta años, sesenta canciones”. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Valerio Rinaldi es un guitarrista, cantante y compositor argentino vinculado al rock en español, el pop y la música electrónica. Comenzó su carrera musical a fines de los años 80 con la banda Trilogy, que llegó a presentarse como grupo invitado de Fricción en el mítico Palladium de Buenos Aires. Más tarde formó la banda Extra, con la que editó los discos No puedo parar de hablar y Presionados, este último grabado en Los Ángeles y publicado por BMG. Durante los años 90 también trabajó como guitarrista acompañando a Willy Iturri en distintas giras nacionales e internacionales. A comienzos de los 2000 integró el grupo Mestizo y luego inició su carrera solista con el álbum Sagitario, presentado en Nueva York durante el Latin Alternative Music Conference. En 2004 lanzó oficialmente el disco Vida Pop y continuó desarrollando una extensa carrera independiente. Entre sus trabajos posteriores destacan Amplificarse, Hasta el fin del mundo y El lago que rebalsó la gota. Su estilo combina influencias del rock argentino clásico, especialmente de Gustavo Cerati y Soda Stereo, con elementos electrónicos y acústicos. En los últimos años lideró el proyecto “Valerio & Los Extravagantes”, junto a Hernán Guerra y Mauro Galosi. Con esta banda grabó discos en vivo y trabajos como Inmunofluorescencia, explorando sonidos que van desde el funk pop hasta el soul y el rock alternativo. Además de su actividad artística, Valerio Rinaldi participó en giras por México, Estados Unidos y otros países, y colaboró con iniciativas solidarias vinculadas a la inclusión musical.

La cantante franco-española Almiña presenta el próximo 28 de mayo en la sala parisina La Java su primer EP que con el título ‘Yper’ nos muestra su universo “pop nostálgico”. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Almiña, artista franco-española, creció en una familia de músicos y amantes de la música, un entorno que despertó su sensibilidad artística y musical desde muy temprana edad. Desde pequeña, se sumergió en todos los estilos musicales, desde el soul hasta el rock, pasando por el pop francés y la música y los sonidos de muchos países del mundo. Con tan solo tres años, ingresó en el conservatorio de danza, cautivada por esta disciplina, que practicaría durante casi 15 años. También estudió clarinete, luego piano y más tarde guitarra, pero fue su trabajo vocal, a través del canto operístico y la música del mundo, que estudió en clases y talleres desde los 13 años, lo que la vinculó definitivamente a la música. Fue a esa misma edad cuando se enamoró de la composición. Se mudó a París en 2016 para comenzar el programa de composición de canciones en La Manufacture Chanson. Allí, descubrió la escena parisina de micrófono abierto, multiplicando encuentros y experiencias sobre el escenario. Fue durante este periodo cuando germinó la idea de desarrollar su proyecto musical, fusionando música, voz y estética visual, un aspecto esencial para esta apasionada del arte, la moda, la pintura y la fotografía. En 2019, se unió a Les Glottes Trotters, y bajo la dirección de Martina Catella profundizó su desarrollo vocal y físico, revelando su identidad vocal, que se volvió más rica y segura. Perfeccionó sus habilidades con artistas de la escena parisina durante varios años y formó un dúo de voz, clarinete y guitarra con Jordan Garcia, interpretando composiciones propias y versiones, que presentó en numerosas ocasiones en París. En 2023 decidió lanzar su primer proyecto, YPER, que comenzó con su colaboración con el pianista Thibaud Lalanne, se desarrolló con el lanzamiento de su primer EP, publicado el 23 de octubre de 2025, con el apoyo de la asociación artística 11BIS MUSICS, y continúa hoy con la fiesta de lanzamiento del proyecto, que tendrá lugar el 28 de mayo de 2026 en Java Belleville.

El periodista y locutor argentino Martín Berrade acaba de publicar en la editorial argentina Remitente Patagonia su libro “Speakers. Historia de la locución argentina”. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Martín Berrade nació en Mar del Plata en 1976. Es Licenciado en Comunicación Audiovisual (UNSAM) y Locutor nacional egresado de COSAL. Como locutor, productor, periodista y conductor trabajó en LU6 Radio Atlántica y KLA de Mar del Plata; Mitre, Continental, Del Plata, Nacional, América, Libertad, Metro y Federal, entre otras emisoras de Buenos Aires. Además, fue conductor de espacios culturales en WCMQ Clásica FM y doblajista del estudio BVI de Miami. En televisión se desempeñó como columnista del noticiero América Rural, presentador de C5N y panelista de Estudio País 24 (Canal 7). Fue Director de Noticias de la TV Pública de Chubut. Actualmente es coordinador de #LA17 de Puerto Madryn, docente de la carrera de Locución en el Instituto Superior de Formación Docente Artística 805 de Trelew (adscripto al ISER) e integrante del Consejo Directivo de la Asociación Radiodifusoras Privadas Argentinas (ARPA). En 2009 publicó el libro El Mundo, la radio...Un recorrido por el esplendor de la BBC argentina (Ediciones Corregidor) y en 2022 Juan Carlos Del Missier. El señor de la radio (Remitente Patagonia) en coautoría con Quique Figueroa.

Eduardo Tábara, presidente de la Fundación del artista ecuatoriano Enrique Tábara, ha venido a París tras las huellas dejadas por su padre entre los años cincuenta y sesenta en los que vivió y trabajó en Europa. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo. Eduardo Tábara Castro, es el penúltimo hijo de los 11 que tuvo el artista ecuatoriano Enrique Tábara, quien antes de morir dejó instrucciones precisas, señalando que debía ser éste quien asumiera la dirección de la Fundación Enrique Tábara y el desarrollo de los proyectos destinados a preservar, investigar y difundir su obra. Eduardo es también cofundador y representante de ALMA (Asociación de Legados de la Modernidad Americana) una red que agrupa más de 40 legados artísticos de 14 países. Actualmente, trabaja en conjunto con instituciones culturales y diplomáticas de Europa y América Latina para preparar una exposición internacional en el Art Museum of the Americas en Washington DC este 2026. Como Presidente de la Fundación Enrique Tábara, lidera iniciativas enfocadas en la preservación, investigación y difusión del legado del maestro Enrique Tábara. Gestiono proyectos como el Archivo Documental Enrique Tábara, que reconstruye la trayectoria artística del maestro en Europa y coordina la certificación y registro de sus obras mediante metodologías archivísticas avanzadas.

El pianista y compositor argentino Lalo Zanelli acaba de publicar en el sello francés Buda Musique su nuevo álbum ‘Solar’ con la Orquesta Modulable La Buena Unión. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Compositor, pianista y arreglador, Lalo Zanelli nació en Buenos Aires en 1959, se formó a la guitarra en autodidacta y tocó en grupos de rock locales desde los 13 años. Estudia piano con Rubens Vitale y Nessy Mur, composición con Luis María Corallini. Se trasladó a París en 1983 y continuó su formación en la Ecole Normale de Musique en la clase de Composición de Música de Cine dirigida por Laurent Petit Girard , obteniendo la Primer premio por unanimidad en 1985. También estudia música electroacústica en INA GRM, arreglos en el CIM con Ivan Jullien. Sigue las enseñanzas de François Jeanneau, Lalo Zanelli funda el grupo OMBU en 1992, con Minino Garay a la batería, Line Kruse al violín, Glaucus Linx al saxo, Fabrizio Fenoglietto al contrabajo, Eduardo García al bandoneón y Eddy Tomassi a la percusión. Graban un disco homónimo "OMBU" (1996), que forma parte de la selección de los mejores discos "World Music" 1997 de Jazz Magazine y Le Monde de la Musique. En 2008 nace una nueva formación: Lalo Zanelli al piano y voz, Tomas Gubitsch a la guitarra, Juanjo Mosalini al bandoneón, Carlos Tero Buschini al bajo y Martin Bruhn a la batería. Ombù actúa regularmente en Francia, Europa y Buenos Aires. En 2010, los cinco músicos de Ombù se reunen en el prestigioso estudio La Buissonne para grabar “Memoria colectiva” (Buda Musique, distribución Francia: Universal). En 2013 forma un nuevo equipo con Bruno Bongarçon a la guitarra, Pablo Gignoli y Lysandre Donoso al bandoneón, Fabrizio Fenoglietto al contrabajo y Javier Estrella a la batería. Su tercer álbum Inmigrantes fue lanzado en mayo de 2016. (Buda Musique, distr. Francia: Socadisc. ​Actualmente, está escribiendo orquestaciones para un proyecto de creación de una orquesta de tango con sus propios tangos .

La cantante argentina Lilí Gardés ha venido a París en el marco de su gira europea para presentar su nuevo álbum “Mis otros yo” que la llevará a varias ciudades alemanas y a los Países Bajos. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI acompañada por Gianni Sabbione, músico, compositor, letrista y director escénico, y Alan Puyol compositor, arreglador y pianista del Teatro Colón y el Teatro San Martín quienes forman el Lilí Gardés Trio. Lilí Gardés es una cantante, compositora, letrista y performer argentina vinculada al movimiento del tango electrónico o neotango contemporáneo. Su obra se caracteriza por fusionar el tango tradicional rioplatense con elementos de música electrónica, pop, rock y ritmos latinos, creando una propuesta artística moderna que mantiene la sensibilidad poética del tango clásico mientras la proyecta hacia nuevas generaciones. Nacida y formada en Buenos Aires, Lilí Gardés comenzó su relación con el tango desde muy joven. Según contó en entrevistas, desde niña participaba en coros escolares y estudiaba guitarra. Su apellido artístico surgió como un apodo relacionado con su admiración por Carlos Gardel: la llamaban “La Gardés” o “La Gardelita”, sobrenombre que finalmente adoptó como nombre artístico por la fuerte identificación emocional y cultural que sentía con el tango. Su carrera profesional comenzó alrededor de 2013 con el lanzamiento de su primer álbum, titulado Uno. En esa etapa inicial, su sonido estaba más cercano al tango tradicional, aunque ya incluía composiciones propias y búsquedas sonoras contemporáneas. Con el tiempo, Gardés empezó a distanciarse de las formas más conservadoras del género y desarrolló una identidad artística más experimental. Ella misma explicó que no se sentía cómoda dentro de los límites rígidos del tango clásico y que necesitaba “crear y recrear” antes que limitarse a interpretar repertorio tradicional. El verdadero punto de consolidación de su estilo llegó con su segundo álbum, Acostumbrarse no es bueno, publicado en 2018. Este trabajo marcó un giro definitivo hacia el electrotango y la fusión musical. El disco combinó bandoneón, sintetizadores, electrónica suave y ritmos latinos, junto con letras propias cargadas de introspección, crítica social y sensibilidad urbana. La cantante declaró que recién en ese segundo trabajo sintió haber encontrado su verdadera identidad artística. Dentro de la escena del tango contemporáneo, Lilí Gardés se destacó por proponer una visión abierta y multidisciplinaria. Sus conciertos no se limitan únicamente a la música: incluyen elementos teatrales, intervenciones poéticas, performances visuales y un cuidado diseño de vestuario y estética escénica. Esta concepción integral del espectáculo busca acercar el tango a públicos jóvenes y romper el prejuicio de que el género pertenece solamente al pasado o a sectores tradicionales. Musicalmente, su propuesta se inscribe dentro del movimiento del electrotango, corriente surgida a fines de los años noventa y comienzos de los 2000, impulsada internacionalmente por proyectos como Gotan Project, Tanghetto, Narcotango y Bajofondo. Este género mezcla estructuras del tango con beats electrónicos, ambientaciones digitales y producción moderna. Lilí Gardés ha participado en numerosos festivales y escenarios importantes de Argentina y Uruguay. Fue artista destacada del Festival de Tango de Buenos Aires en 2021 y 2022, y también formó parte del Electrotango Buenos Aires en 2022 y 2023. Además, actuó en el Festival Tango Vivo y en diversos espacios emblemáticos del circuito tanguero porteño como Torquato Tasso, La Viruta Tango Club, Centro Cultural de la Cooperación y La Catedral. También compartió escenario y colaboró con referentes del tango electrónico contemporáneo, entre ellos Tanghetto, Otros Aires y Narcotango. Asimismo, participó como cantante invitada del proyecto San Telmo Lounge y colaboró con artistas emergentes como Nahuel Santos. En los últimos años, Gardés ha...

La realizadora mexicana Valentina Leduc presentaba este miércoles en el cine La Clef de París y el jueves en la Escuela de Artes Decorativas su película “Los sueños que compartimos” en la que nos ofrece una mirada llena de esperanza a través de un mundo nuevo a partir de la organización comunitaria. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Valentina Leduc Navarro nació en Ciudad de México en 1969. Es considerada como una de las editoras más reconocidas del cine en México. La mirada y la propuesta narrativa de Valentina Leduc Navarro han quedado impresas en largometrajes como La Vocera, Luciana Kaplan (2020); Cartas a distancia, de Juan Carlos Rulfo (2020); Temporada de Campo, de Isabel Vaca (2020) Lorena, la de pies ligeros, de Juan Carlos Rulfo (2019); Sonora, de Alejandro Springall (2018); Locura al Aire, de Alicia Cano (2017); Plaza de la Soledad, de Maya Goded (2015); Las oscuras primaveras, de Ernesto Contreras (2013); Carrière, 250 mts. de Juan Carlos Rulfo (2011), Vuelve a la vida, de Carlos Hagerman (2013); Tiempo Suspendido, de Natalia Bruschtein (coedición, 2013); Los que se quedan, de Juan Carlos Rulfo y Carlos Hagerman (2008), Cobrador, In God We Trust, de Paul Leduc (2006), y En el hoyo, de Juan Carlos Rulfo (2006), por mencionar algunas. Ha recibido el Ariel de la Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas en cuatro ocasiones: como directora, con los cortometrajes Un volcán con lava de hielo y La historia de I y O, y como editora con En el Hoyo, de Juan Carlos Rulfo, y Las Oscuras Primaveras, de Ernesto Contreras. Ha sido nominada al premio Ariel como Mejor Edición en otras cinco ocasiones con las cintas: Cobrador: In God We Trust (2006), Carrière, 250 metros (2011), Plaza de la Soledad (2016), Sonora (2018) y La Vocera (2020). Ha participado como jurado en diversos festivales nacionales e internacionales, e impartido seminarios y Master Clases tanto en México y como en el extranjero. ¨Los sueños que compartimos¨ es su primer largometraje como directora.

El artista argentino Ricardo Mosner, miembro de “El colectivo” -colectivo compuesto por artistas mayoritariamente argentinos en Francia- nos presenta su nueva exposición que acaba de inaugurarse en la Galería Jorge Alyskewycz de París con el título de “Las pasiones de la razón & viceversa” en El invitado de RFI con Jordi Batallé. Ricardo Mosner (Buenos Aires, 1948), quien vive y trabaja en París desde 1972, es un artista contemporáneo. Con este término quiero decir que es un artista auténticamente de su tiempo. No habiendo querido encerrarse o limitarse nunca a una sola actividad, Mosner ha incursionado desde 1970 —gracias a su desbordante curiosidad sin prejuicios y con una libertad que no admite ninguna restricción— en el teatro, el video, el afiche cultural y publicitario, así como en la radio y la ilustración, sin nunca faltar a su pasión central, motor de su energía: su triple actividad de pin tor, escultor y grabador. Esta versatilidad, que algunos pueden reprobar en nombre de una especialización (con frecuencia cas tradora), o de una identificación simplificadora, hace parte de su na turaleza inmutable. Bulímico, antropó fago dentro de la más pura tradición latinoamericana (Picasso u otros se esbozan en ocasiones, como en Trébol) , Ricardo Mosner es, sin embargo, un artista atormentado por la obsesión y la inquietud. Sus interrogacio nes sobre las relaciones entre el hombre y el mundo le han llevado a colocar la figura humana en el centro de sus preocupaciones formales y es téticas. Eje y pedestal de su indagación esencial, la figura humana es triturada, amasada, estirada, recogida, cortada, desdoblada, sigue siendo humana. Reinventada con ins pirateación y con cierta malicia, el sopor te puede ser el lienzo, el cartón, el hierro, la madera, el alambre, el yeso, el papel. Los pigmentos son trabaja dos al máximo de su potencial, den tro de una gestualidady un deseo de experimentación que le permiten a Mosner establecer un registro Infinito de actitudes, de fisionomías y de caracteres. Sin caer nunca en la repetición o la rutina, sin querer adherirse al arte bruto o limitarse a la sola fi guración narrativa, sino más bien manchando al lado de un Baselitz, un Clemente o un Lupertz, en la tradición de la década de 1980, pero con humor y ternura. Su vena carica turesca lo acerca a la obra de Anto nio Seguí, con quien comparte esa constante del espíritu pictórico argentino. Lo que caracteriza y hace interesante el arte de Mosner es que no va en contra del famoso adagio libertario del poeta: "Haz lo que te plazca". El mundo urbano de Mosner no está organizado en trama, como, por ejemplo, en la obra de Seguí; su desorganización, que es sólo aparente, es más bien el resultado de lo que podría llamarse su generación espontánea. El rostro se descompone para reconstruirse mejor, en sinuosidades y curvas. Sin embargo, esta aparente facilidad es el fruto de un trabajo constante de búsqueda y de introspección sobre la expresión del cuerpo y del rostro, y las manos en particular. La misma fobia al vacío reaparece en los bosques y dibujos de sus innumerables cuadernos, verdaderos trazos entrelazados (o escritura automática) de objetos orgánicos. La proliferación y prolijidad de personajes (tintas) que recubren sus cuadernos son a la vez el preludio y el alter ego de sus lienzos, en donde, de manera diferente pero continua, el artista abrevia la forma y la materia, en búsqueda de la individualización del personaje y su densidad. Los hombres (o las mujeres) están solos sobre el lienzo, sin contexto, sin escolta iconográfica, sin ninguna posibilidad de una pista sociológica o antropológica (objetos, naturaleza) para el espectador, aunque la influencia de la danza y el teatro es omnipresente ( Las 3 noches y Envueltos , técnica mixta sobre papel, 1998 y 1999). El hombre está solo consigo mismo y con la mirada del otro. Él es a veces torpe y miedoso, su cuerpo es macizo, apenas esbozado o, por el contrario, muy trabajado. Sus...

El artista argentino Octavio Blasi inaugura este viernes 8 de mayo su exposición ‘Ida y vuelta’ en la Galería Argentina de París. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Octavio Blasi ha nacido en Cordoba, Argentina en 1960. Su trayectoria se ha tejido entre la exploración estética y una profunda conexión con su contexto cultural. Nacido en Argentina, su infancia estuvo marcada por la curiosidad y la observación constante del entorno, elementos que más tarde se transformarían en el motor de su obra. Desde joven mostró inclinación por las artes visuales, encontrando en el dibujo y la pintura no solo un medio de expresión, sino una forma de comprender el mundo que lo rodeaba. A medida que fue creciendo, Blasi comenzó a desarrollar un lenguaje propio. Sus primeras obras reflejaban una búsqueda intensa, en la que experimentaba con materiales, formas y colores, sin miedo a equivocarse. Esta etapa de exploración fue clave para definir su identidad artística: una mezcla de sensibilidad, introspección y una mirada crítica sobre la realidad. Con el tiempo, su trabajo empezó a ganar reconocimiento en circuitos locales. Exposiciones en galerías y espacios culturales le permitieron entrar en diálogo con otros artistas y con el público. En estas instancias, su obra fue consolidándose como una propuesta auténtica, capaz de generar preguntas más que respuestas, invitando a quien la observa a detenerse y reflexionar. La producción de Blasi se caracteriza por una tensión constante entre lo figurativo y lo abstracto. En sus piezas, los límites entre ambas dimensiones se difuminan, dando lugar a composiciones que parecen estar en permanente transformación. Esta ambigüedad no es casual: responde a su interés por capturar la complejidad de la experiencia humana, aquello que no siempre puede ser nombrado con claridad. A lo largo de su carrera, ha atravesado distintas etapas creativas, cada una marcada por cambios en su técnica y en sus preocupaciones temáticas. Sin embargo, hay un hilo conductor que permanece: la necesidad de explorar lo invisible, de dar forma a emociones, recuerdos y tensiones internas. Su obra, en este sentido, puede leerse como un diario visual, una cartografía íntima de su propio recorrido. Más allá de las exposiciones y el reconocimiento, Octavio Blasi continúa trabajando desde un lugar de búsqueda. Lejos de instalarse en fórmulas seguras, su práctica artística se mantiene abierta, en constante transformación. En cada nueva obra, parece volver a empezar, como si el arte fuera, para él, no un destino, sino un camino que se recorre una y otra vez.

El poeta mexicano Audomaro Hidalgo acaba de publicar “Matière noire / Materia oscura” libro en versión bilingüe en la editorial francesa Editions Phloème. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo. Poeta, ensayista y traductor mexicano, Audomaro Hidalgo estudió Literatura Hispanoamericana en la Universidad Nacional del Litoral unl, en Santa Fe, Argentina. Maestro en Literatura por la Universidad de La Havre en Francia. Fue becario de la Fundación para las Letras Mexicanas flm y del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes fonca, del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Tabasco, del Programa de Apoyo a la Creación y Desarrollo Artístico pecda de Tabasco y del Programa de la Unión de Universidades de América Latina. Obtuvo el Premio Tabasco de Poesía José Carlos Becerra en 2013 y el Premio Nacional de Poesía Juana de Asbaje en 2010 con el libro El fuego de las noches. Dirigió durante cinco años el Encuentro Iberoamericano de Poesía "Carlos Pellicer", celebrado en Villahermosa. Reside en Francia desde 2016.

El flautista chileno Boris Rojas Oyanedel presenta el 9 de mayo en un con cierto en la iglesia Sainte-Thérèse des Joncherolles de Saint Denis su nuevo álbum dedicado a obras para flauta solo de Bach. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Boris Rojas Oyanedel, flautista chileno con maestría en el Conservatorio Regional en Francia y ex estudiante del Liceo Experimental Artístico de Santiago de Chile, es actualmente profesor en el Conservatorio de Saint Denis, localidad aledaña a París.

El escritor chileno José Francisco Robles acaba de presentar en la librería parisina SMD Books su novela “Historia de la lluvia” que ha editado en español las Ediciones Equidistancias. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El Invitado de RFI para presentárnosla. José Francisco Robles nació en Santiago de Chile en septiembre de 1979. Entre sus publicaciones destacan los libros Polemics, Literature, and Knowledge in Eighteenth-Century Mexico: A New World for the Republic of Letters (Oxford, 2021), ganador del Louis Gottschalk Prize 2022, los libros de poesía Especies (Granada, 2022) y La isla blanca (Santiago, 2024). Ha estado a cargo de la edición y co-traducción de una selección poética de Vicente Huidobro, Poetry is a Celestial Attack / La poesía es un atentado celeste (Santiago-Barcelona, 2022) y de la edición de Se escribe en español: una antología poética del Puget Sound (Seattle, 2025). Ha participado en diversos proyectos literarios y académicos tanto en América Latina como en Estados Unidos. Vive en Seattle donde enseña literatura latinoamericana en la Universidad de Washington.

El escritor venezolano Pedro Plaza Salvati presentaba el pasado viernes su libro “La vida interrumpida, crónicas de un regreso a Caracas” en la Maison de l’Amérique Latine de París con la participación del escritor y editor venezolano Gustavo Guerrero. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo. Pedro Plaza Salvati nació en Caracas, Venezuela en 1967. Se graduó cum laude en Estudios Internacionales en The American University de Washington D. C., y cursó una maestría en Escritura Creativa en la Universidad de Nueva York y un máster en Creación Literaria en la Universidad Pompeu Fabra. Es autor de las novelas Broadway-Lafayette: el último andén, El hombre azul y El lugar de las nubes, así como del libro de cuentos Decepción de altura. Su obra Lo que me dijo Joan Didion: crónicas de Nueva York obtuvo el XVI Premio Anual Transgenérico de la Fundación para la Cultura Urbana, Venezuela, Finalista del 69º Concurso de Novela Ciudad de Valladolid. Autor de las novelas Broadway-Lafayette: el último andén, El hombre azul y El lugar de las nubes, así como del libro de cuentos Decepción de altura. Ha publicado crónicas y artículos literarios en Zenda Libros, Hedónica, Prodavinci, Asymptote, Latin American Literature Today, Papel Literario, Ficción Breve y Buensalvaje.

El fotógrafo peruano Javier Silva Meinel acaba de inaugurar en la Maison de l’Amérique latine de París la exposición “Umbrales” en la que muestra su trabajo fotográfico de casi medio siglo. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI acompañado por Alejandro León Cannock, comisario de la muestra. Javier Silva Meinel nació en 1949 en Lima, donde reside y trabaja actualmente. Está representado por la Galería Younique. Javier Silva Meinel es una de las figuras más destacadas de la fotografía peruana y latinoamericana. Su obra dialoga con los fotógrafos más importantes de su generación, como Graciela Iturbide, Juan Carlos Alom, Paz Errázuriz y Fernell Franco. Decidió dedicarse a la fotografía a mediados de la década de 1970. Posteriormente, se vinculó al movimiento que surgió en torno a la ya legendaria Fotogalería Secuencia, fundada en Lima por Fernando La Rosa en 1977. Durante más de cuarenta años, ha recorrido el Perú, creando una obra en blanco y negro de gran intensidad, donde retratos, paisajes y rituales exploran las conexiones entre la humanidad, el territorio y lo sagrado. Trabajando con el formato cuadrado de la película de gelatina de plata como un espacio geométricamente equilibrado, transforma la realidad en un reino espiritual. Nutrido por la cosmovisión andina y una conexión íntima con sus sujetos, su obra, impregnada de un sentido de lo insólito, trasciende lo visible para abrir un umbral a lo invisible. Las fotografías de Javier Silva Meinel forman parte de numerosas colecciones institucionales, entre ellas el Museo de Arte de Lima (Malí), el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de Lima, el Museo de Bellas Artes de Houston, el Museo de Brooklyn, el Museo de Phoenix, el Museo del Quai Branly – Jacques Chirac y la Biblioteca Nacional de Francia (BnF), así como de numerosas colecciones privadas en Perú, Estados Unidos y Europa.

La pianista argentina Lucia Abonizio presenta en la sala parisina “Les rendez-vous d’ailleurs” el espectáculo ‘El Aleph, Tango y laberintos” con el trio Monumental Tango. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Nacida en Rosario (Santa Fe), Argentina, y de una familia de músicos, Lucia Abonizio eligió París como su lugar de inspiración y residencia. Su formación clásica de piano comenzó en la Universidad de Música de Rosario en Argentina, donde recibió una sólida educación con Aldo Antognazzi, quien a su vez fue alumno de Arturo Benedetti Michelangeli. Continuó sus estudios en París con Jacqueline Bourgès-Maunoury. Diplomas y primeros premios se sucedieron rápidamente: Primer Premio de Piano de la Televisión Argentina, Primer Premio otorgado por unanimidad en el Conservatorio Nacional de Gennevilliers, y diplomas estatales en Argentina y Francia para la enseñanza del piano. Actúa como solista y en varios conjuntos instrumentales en Alemania, Luxemburgo, Italia, Suiza, Francia, Argentina y Brasil, y participa en numerosos festivales como "Piano en Creuse" y "Un Printemps en Hiver". "Jueves Musicales en Iglesias Románicas"; "Festival de Tango de Conflans"; "Festival de Tango de Poitiers"; “Festival Internacional de Ópera de Río de Janeiro”; “Musiques en Valois”, entre otros. Ha sido invitada varias veces en la Maison de la Radio (“Sur le pont des artistas”) y “Les Démons de midi”, y en el canal de televisión francés TV5 (“Paris Lumières”). Actualmente, compagina su actividad musical con la enseñanza. Profesora titular de piano en el departamento de Hauts-de-Seine, comparte con sus alumnos su pasión por la cultura musical argentina y latinoamericana. Por consiguiente, su programa ofrece un repertorio con gran potencial rítmico y melódico. Como docente, impulsó el proyecto "Alrededor del Tango", que integra la teoría musical con las clases de instrumento. Imparte clases magistrales sobre este proyecto en diversas instituciones, como los Conservatorios Regionales Nacionales (CNR) de Poitiers, Boulogne-sur-Mer, Verrières-le-Buisson y Le Plessis-Robinson. Ha sido artista residente en la región de Pays de Valois y en los Conservatorios Regionales Nacionales (CNR) de Clamart y Saint-Denis. Es responsable de la dirección pedagógica del taller de verano «Música Clásica y Latinoamericana», organizado por la Association des Rencontres Symphoniques (ARS) en Vercors, y del taller de «Tango Argentino» en el Château de Ratilly. Publicaciones más recientes: «Método de Piano-Tango», vol. 1 y vol. 2. Editions Gérard Billaudot.

La realizadora argentina Marina Rubino presentaba este lunes en la Maison de l'Amérique Latine de París su película “Yvonne” en la que cuenta la historia de Yvonne Pierron, sobreviviente a la desaparición de dos religiosas durante la dictadura argentina. Pero antes ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI. Marina Rubino es una artista visual, cineasta y docente argentina. Desde 1994 trabaja en diferentes productoras de contenido audiovisual como archivista, asistente de dirección, de producción, de montaje, al tiempo que participa de exhibiciones de artes visuales en galerías de arte, museos y centros culturales. Es fundadora de Grupo Documenta, colectivo de artistas, profesionales, docentes y técnicos con trayectoria en el ámbito audiovisual desde el año 2001. Dirigió dos largometrajes: “Tunteyh o el rumor de las piedras” (2014), estrenado en el Festival Internacional de cine de Mar del Plata, e “Yvonne” (2019) estrenado en el Festival Internacional del nuevo cine latinoamericano de la Habana. Estos largometrajes fueron proyectados en salas de cines, festivales internacionales de cine, centros culturales, bibliotecas, ollas populares, entre otros, recibiendo premios y menciones. Realizó las videoinstalaciones “La Colección”, “Niño Bandera”, y los cortometrajes “Cielo Abierto”, “Mi amigo José”, “Prólogo”, “Wichí del monte y del río”, “Nocturno a mi barrio”, "Cuarto oscuro". Realizó la producción de los largometrajes “Mal del Viento” (2012), “La Ceremonia” (2014), “Nuestro Mundo Anuhu Yrmo” (2016), “Los Relocalizados” (2016) y “Fui Alan por un año” (2021). En este momento está desarrollando dos proyectos de largometraje: "Escala de grises", con dos sobrevivientes del campo de concentración ESMA de la dictadura en Argentina y "El tiro por la culata", vinculado al tema de la desaparición de las monjas francesas Alice Domon y Leonie Duquet en Argentina durante la dictadura cívico militar. Yvonne Pierron fue una religiosa francesa nacida en 1928 en Alsacia que dedicó su vida a ayudar a los más pobres. En 1955 se trasladó a Argentina como misionera, donde trabajó como maestra y enfermera, viviendo junto a comunidades vulnerables como campesinos e indígenas. Su compromiso estuvo siempre centrado en la justicia social y la dignidad humana. Durante la dictadura militar argentina (1976–1983), defendió activamente los derechos humanos. Fue cercana a las religiosas francesas Alice Domon y Léonie Duquet, quienes fueron secuestradas y asesinadas por el régimen. Debido a la persecución, Yvonne Pierron tuvo que huir del país en 1978.